México, D F, 01 de agosto (apro)- Rapsodia en azul fue publicada como partitura por la editora de Max Dreyfus vendiendo miles de copias, y la orquesta de Paul Whiteman alcanzó más de un millón de discos con su grabación RCA El arreglo original para orquesta la noche de su estreno, el 12 de febrero de 1924 en el Aeolian Hall de Nueva York como parte central del ambicioso programa en concierto Experimento de música moderna, fue elaborado con cierta precipitación por Ferde Grofé, inseparable de Whiteman; pero versiones posteriores y registros compactos que hallamos hoy en día pertenecen al compositor de Rapsodia en azul, George Gershwin Aquella "payasada de Whiteman" tuvo que ser tomada más en serio por propios y extraños, pese al título de Ira Gershwin como "rapsodia" El vocablo provenía de la poesía épica griega y había sido empleado en primer lugar hacia 1803 por Thomasek para un conjunto de seis piezas al piano Posteriormente, algunas fantasías libres sobre algún personaje épico, heroico o nacional fueron llamadas rapsodias por Liszt y Brahms En 1907, el impresionista francés Ravel escribió su Rapsodia española, una suite descriptiva con orquestación espectacular Para muchos, el nombre de la obra sonaba pomposo, poco adecuado, irónico, pretencioso También Gershwin tuvo enemigos dentro del "ejército" purista del jazz pues, a su manera de escuchar Rapsodia en azul nada tenía que ver con el blues, una forma esencialmente clásica de poesía combinada con canto y música de los negros afro-norteamericanos La cosa empeoró seis años más tarde, cuando en 1930 Paul Whiteman trabajó con su orquesta en la cinta King of Jazz (Rey del jazz) y fue coronado con ese "epíteto de la nobleza", para escándalo y rechazo de quienes advertían que dicho "monarca musical" era apócrifo pues, en verdad, no tocaba jazz genuino "Los grandiosos días para los arreglistas de orquestas del jazz fueron los años treinta, cuando bastantes arreglos del swing se pulieron en ostentación de las virtuosas big bands Casa Loma, Benny Goodman, Artie Shaw, los hermanos Dorsey, etcétera Difíciles de anotar y escritos para bailar, todo mundo danzaba en 1938? Con el arribo del swing y el jazz de boogie-woogie y bop, enfocamos nuestro interés en la música misma y en el virtuosismo de sus intérpretes", según Leonard Bernstein (The Joy of Music, 1954) La coloratura de esas orquestas con notas blue y fraseo complicado en partitura dejaba boquiabiertos a los críticos de música clásica, aunque no convencía a los estrictos analistas del jazz Y si comparamos el sonido de Whiteman y orquesta con otras de sus contemporáneos más brillantes, le faltará chispa; pero hay algo en su favor: contaba entre sus instrumentistas a gente del mejor jazz que estaba asomando, figuras de la talla de los Dorsey y Bix Beiderbecke; Frankie Trumbauer, Red Norvo, Eddie Lang y Joe Venuti Jimmy Dorsey era de Shenandoah, Pasadena, donde nació en 1904 como su hermano, el trombonista Tommy un año más tarde Tocaron con Whiteman desde mediados de los veinte y hasta 1933, cuando fundaron su propia big band de breve duración; ambos pelearon violentamente y cada cual continuó su camino, paralelo en la misma época dorada del swing Bix venía de Davenport, Iowa Nació en 1903, aprendió piano desde los tres años de edad y estudiaba corneta a los 14 De 23, conoció al saxofonista Frankie Trumbauer y viajaron a San Luis Missouri para integrarse con Jean Goldkette y Paul Whiteman Trumbauer continuó con Whiteman hasta mediados de los treinta, Bix no: su genio musical sucumbía por los estragos de alcoholismo, abandonando en 1930 la orquesta de Whiteman (quien lo envió de vuelta a Davenport para que se aliviara y le siguió pagando su sueldo); falleció al año Sus giros melódicos todavía maravillan a fieles fans, por ejemplo: los discos de Bix están presentes como "música idónea" para ambientar cada acto sexual de Hugh M Hefner, fundador de Playboy, al acecho de sus seductoras conejitas Es notable la precisión con que orquestas de big band como las de Whiteman y los Dorsey produjeron arreglos de cuadratura casi perfecta El refinamiento de un Duke Ellington permitía "espacios acústicos" para improvisaciones que sus solistas aprovechaban a libertad, enunciando estallidos que, para los años de la década 1940, quebraron moldes rítmicos y patrones convencionales con fraseos de músicos estupendos como los de Bird Charlie Parker (quien al morir contaba 35 años y se le consideró el indiscutible Rey del jazz) Lincoln Collier remite: "El estilo de la gran orquesta big band originado por Art Hickman y Paul Whiteman, fue llevado a la madurez por Fletcher Henderson y su director musical Don Redman Estaba construida alrededor de la confrontación en las secciones de metales y cañas, mientras que a veces, al agrandarse las orquestas, se asignaron roles separados a los trombones y las trompetas? La variedad especial de sonido en la obra de Ellington fue una de las que la diferenciaron del común de la gran orquesta desarrollado por Grofé, Whiteman, Henderson, Redman y otros, en el cual los coros de cañas respondían unos a otros incesantemente" Para entonces, el saxofón se convirtió en un instrumento relacionado con las orquestas de jazz Adolphe Sax lo inventó hacia 1840 en París y, para el cambio de siglo, había sido utilizado en obras de orquesta sinfónica por compositores franceses como Bizet, Delibes, Saint-Saëns y Ravel Las big bands incluían normalmente una sección de cuatro piezas para sax alto y tenor en los salones de baile De hecho, el sax era el rey del jazz y sería Walt Disney quien lo personificó en una de sus caricaturas filmadas, como identificación y pasaporte de esta música Disney no leía música ni tocaba instrumento alguno, aunque su afilado olfato de productor fílmico pronto descubrió que el jazz iba a funcionarle muy bien para sus "sinfonías bobas" (ya aludimos a ellas hace tres semanas, en otra entrega de Apro con el reportaje referente a los orígenes del carácter de la historieta Memín Pinguín como "estereotipo racial") La serie de 75 silly symphonies nació en 1929, luego que Disney quedó impactado con la película Cantante de jazz, del vocalista blanco Al Jolson pintado de negro Fue su director musical Carl W Stalling quien le propuso realizar estos cortos fílmicos, para dejar de discutir con Disney quien no lograba hacerse entender con sus manoteos y gesticulaciones que indicaban vagamente dónde se debía meter música y sonidos en las caricaturas El personaje de Mickey Mouse acababa de "pegar" en 1929 con la animación Steamboat Willy, donde el Ratón Miguelito sale silbando en un barco de vapor al timón; así pues, había que impulsar nuevas caricaturas del ratoncito, ahora famoso en el cine, con más escenas de acción A su vez, Disney daría mayor libertad de composición a su equipo musical en las "sinfonías bobas" Un lustro más tarde, Disney y sus directores musicales vieron el gran potencial económico para sacar buenas tajadas del jazz sinfónico en los dibujos animados Whiteman había triunfado por la película el Rey del jazz en 1930 y su imagen también era conocida en EU debido a las millones de partituras que publicaba el circuito Tin Pan Alley, de Nueva York Paul Whiteman, El rey del jazz, era una figura emblemática del jazz sinfónico y Disney aprovecharía su cara con bigote para personificar, en 1935, a un saxofón de jazz en lucha contra la orquesta sinfónica en la "sinfonía boba" Music Land? (continuará)